viernes, 28 de octubre de 2011

¿QUE ES UNA MODISTA?   
Se denomina modisto a la persona que tiene por profesión el diseño y confección de prendas de vestir femeninas como vestidos, blusas, abrigos, etc. También se denomina diseñador de moda.
El modisto acuerda con su cliente el tipo de ropa que va a confeccionar concretando los detalles de la misma referidos a formas, colores, material, acabados, etc. Seguidamente toma medidas de diferentes partes de su cuerpo para establecer las dimensiones que adoptarán las prendas.
Los modistos también diseñan periódicamente colecciones de propia creación de prendas que se confeccionarán en serie. En tal caso, realizará el escalado de los patrones para obtener las tallas que se deseen partiendo de una talla base. Cada temporada presentan sus colecciones en pasarelas de moda a las que asisten sus principales clientes así como medios de comunicación especializados.
Entre las aptitudes necesaria para ejercer el oficio de diseñador de modas figuran la creatividad y el sentido de la estética. El modisto debe conocer en profundidad los materiales textiles que existen, sus propiedades, características, aplicaciones, capacidad de transformación y terminaciones. Además, debe conocer los complementos que puden combinar con las prendas tales como bolsos, zapatos o joyas para ofrecer en la colección una armonía de conjunto. El diseñador obtiene su inspiración en ferias profesionales, certámenes o revistas de moda tanto en lo que se refiere a los avances en materia de moda, como en la tecnología de diseño y confección relacionada con la misma.


CHARLES FREDERICK WORTH     

Este modisto Inglés llegó a París tras siete años de formación en Londres. En 1858 funda junto a su socio Boberg su propia casa de moda en la Rue de la Paix, de la que toma en 1871 la dirección en solitario.

Worth fue pionero en atribuirse la categoría de celebridad al firmar sus creaciones como si de piezas de arte se trataran. Además, cada nuevo año presentaba una colección con la que aumentar sus ventas y por tanto sus beneficios. Esta innovación revolucionaria de las colecciones de temporada es una fuente de la que los actuales diseñadores siguen sacando provecho.

Las líneas de Worth eran sencillas, redujo la crinolina, de modo que la falda caía plana por la parte delantera y recogió el exceso de tela por detrás. La palabra modisto se creó especialmente para calificar a Worth, que consiguió unir la técnica inglesa del corte con el derroche de elegancia propio de los franceses.

Además, hay que mencionar que el modisto inglés debió gran parte de su fama a dos emperatrices de la época: Isabel de Austria y Eugenia, la esposa de Napoleón III. Ambas se hicieron retratar para la posteridad luciendo diseños en seda y tul bordados en oro de Worth. Tras el fallecimiento del genio, el relevo pasó a sus hijos, Gastón y Jean-Philippe.

Sobre la indumentaria de la femme ornée o la "mujer adornada" de la belle époque hay que decir que se caracterizaba por su afán de comprimir y cubrir de postizos el cuerpo femenino. La idea era crear un reloj de arena con las curvas de la dama: frágil cintura y exuberante parte superior e inferior.
El vestuario femenino, incluso en la versión ligeramente suavizada de Worth, recordaba a una camisa de fuerza. El cuello, alto, estrecho y rígido, obligaba a erguir la cabeza, mientras que los sombreros, algo inclinados y de anchas alas, se decoraban con pesadas plumas de avestruz. Las mangas estaban ahuecadas en el hombro, se recogían en el codo y se estrechaban hasta la mano. Cubrían hasta los nudillos para no mostrar zonas indecorosas. Las faldas llegaban hasta el suelo y se ensanchaban en las caderas, cayendo en forma de campana. Su parte posterior estaba decorada con pliegues y rematada con una pequeña cola. Los zapatos y botines eran puntiagudos y se sostenían sobre medios tacones barrocos. Los complementos imprescindibles eran las medias de seda negra, los guantes ajustados y la sombrilla, que servía para preservar el tono blanco de la piel.

Para el día se usaban telas de lino, terciopelo y lana. Los colores eran pasteles claros o apagados como el rosa, azul o malva. Estos vestidos se engalanaban con galones, cintas, lazos y volantes. Para la noche se recurría a la seda, las puntillas, la muselina, el tul, el crespón de China o el satén entre otros. Los trajes presentaban ricos adornos y generosos escotes. Eran imprescindibles los guantes largos para "vestir los brazos" y para que no se vieran las manos desnudas.





Jeanne Paquin
Jeanne Paquin
Muchos piensan que tras el apellido Paquin se esconde un hombre, y no van muy desencaminados: gran parte del éxito de la casa se debe al talento para las finanzas de Isidore Paquin (1862-1907), así como a la habilidad y encanto que desplegó como director del negocio ante su clientela internacional, que incluía miembros de la alta nobleza, estrellas de la farándula y otras celebridades, a las que supo agasajar como nadie.
Sin embargo, al contrario de lo de lo que ocurría en empresas rivales como Worth o Poiret, en Paquin la mujer no era la musa sino el genio creativo. Jeanne Paquin, que había estudiado en la reputada Maison Rouff, decía de sí misma: “yo no he inventado nada; me he limitado a suprimir”.
La modista presentó su vestido imperio en 1906, un año antes de que Poiret sentara las bases de su fama con este diseño. Lo mismo pasó con el abrigo en forma de quimono, con el que Paquin se le adelantó  otro año. En 1900 fue la primera mujer en presidir la sección de moda de una Exposición Universal y, trece años más tarde, la primera modista en recibir la Cruz de la Legion de Honor. Su empresa también fue pionera en cuanto a filiales en el extranjero: Londres, Nueva York, Madrid, Buenos Aires…

Jeanne Paquin
Jeanne Paquin

Suya fue también la idea de mandar modelos vestidas con sus últimas creaciones a los estrenos operísticos y a las carreras de caballos. En 1914 Paquin organizó en el Palace Theater londinense el primer desfile de modas, entendido como un espectáculo con música. Los vestidos que presentó dieron en llamarse tango y, dado que anticipaban el espíritu de la moda posguerra, causaron sensación.


A pesar de todo, Jeanne Jeanne Paquin Paquin no es considerada una innovadora, ya que fue fiel durante mucho tiempo a la ligne serpentine, la forma S, además de introducir cambios lenta y discretamente. Como humilde esposa, se mantuvo siempre en la sombra mientras sus colegas masculinos disfrutaban de su condición de estrellas. Ella ha pasado a la historia por su predilección por los adornos de piel y los románticos vestidos de noche de estilo dieciochesco, a los que quizá era aficionada porque le quedaban tan bien que se la tenía por la mejor modelo de la casa.
Cuando su esposo murió al finalizar la I Guerra Mundial, dejo a dirección del negocio en manos de su cuñado, delegó las decisiones artísticas en mademoiselle Madeleine y se retiró. El salón de modas Paquin no cerró sus puertas hasta 1956.
                  



Jeanne Paquin fue la primera diseñadora en la Historia del Vestuario, que además hizo “moda de calidad y rentable”. Casada con un administrador de empresas construyó un negocio de alta costura, cuyo modo estilístico influenció sin precedentes durante los primeros años del siglo XX. Sus enfoques innovadores para la comercialización y potente diseño atrajo a las mujeres del mundo. He aquí su historia:
Nació en 1869 en la Isla de Saint-Denis, ubicada en las afueras de París. Cuando niña, trabajó en la tienda de una modista local y luego se convirtió en costurera de la distinguida firma parisina “Maison Rouff”. En febrero de 1891 se casó con un ex banquero y hombre de negocios, fundando un mes antes de su matrimonio la que sería su “casa de modas”, donde tuvo diversos clientes: desde actrices de la época hasta miembros de la realeza europea. La relación con ellos fue muy particular e innovadora para ese momento, pues establecía vínculos personales basados en la preocupación individual. Creativa y astuta en sus planteamientos Jeanne creó, además, prácticas que más tarde se transformarían en procedimientos normalizados de trabajo en el mundo de la moda. Una de ellas fue el concepto de la expansión internacional a través de la apertura de sucursales extranjeras: Londres en 1896, Buenos Aires y Nueva York en 1912 y, Madrid en 1914. En su apogeo la casa empleaba a más de dos mil trabajadores, superando incluso a la Casa de Modas Worth. En 1907 su esposo murió repentinamente dejándola sola a la cabeza de la gran tienda, a raíz de lo cual su hermano y esposa, le ayudaron con esta tarea.

Jeanne Paquin incorporó, desde el principio, el poder del espectáculo para promocionar sus diseños de vestuario: en 1914 organizó en el Palace Theatre de Londres el primer desfile de modas entendido como un espectáculo con música. Además ideó el enviar actrices jóvenes a la ópera vestidas con sus modelos más recientes para difundir sus nuevas colecciones y el trasladar éstas a través de giras. La primera fue por Estados Unidos, que incluyó Nueva York, Filadelfia, Boston, Pittsburgh y Chicago.

Ella misma era la mejor publicista de su propio estilo: siempre llevaba sus propios diseños y, admirados por el público, fue la primera mujer en convertirse en un icono de la moda, estableciéndose como el precedente de Coco Chanel. Igualmente aclamada por sus habilidades de negocio, fue que recibió numerosos premios y nombramientos, todos los primeros de una mujer en su tiempo: en 1900 sus compañeros diseñadores la seleccionaron para encabezar su primera exhibición colectiva pública de alta costura, en la gran Exposición Universal de París. También se le concedió la Orden de Leopoldo II de Bélgica en 1910 y la prestigiosa Legión de Honor en el ámbito del comercio en 1913; también fue elegida presidenta de la Cámara Sindical de la Alta Costura, organización oficial de los diseñadores de París, en 1917.

Los diseños de Paquin fueron reconocidos por una magnífica factura y estética incomparable: creó notables efectos visuales con texturas y matices tonales que van desde una luminiscencia etérea en lo vaporoso (vestidos desde 1900 hasta 1910), a una vibración en negros presente en las creaciones de inspiración oriental. Armaba el juego de luces en la superficie de la prenda mediante la yuxtaposición de aplicaciones y telas. Aunque su calidad como artista de efectos visuales y composición fue insuperable, Paquin también hizo para la función y comodidad: entre 1912 y 1920 diseñó “ropa para la mujer activa”.
Su casa de modas se fusionó con la “Casa Worth” en 1954, para posteriormente cerrar en 1956. Jeanne murió antes, en 1936, después de haberlo hecho absolutamente todo…

El Museo ABC de Madrid expone por primera vez más de trescientas ilustraciones de moda que el artista Carlos Sánchez de Tejada realizó en París en la década de los años treinta. La muestra es un reflejo de las tendencias de la época y del papel que la mujer iba adquiriendo.
El elegancia del dibujo. Crónica de París. Museo ABC.
Si los veinte fueron los años locos, los treinta fueron los de la Depresión. Pero en moda fueron un momento de revolución, con el nacimiento del look andrógino y la imposición de Greta Garbo como modelo a imitar. Las mujeres se imponen en la moda, en una batalla que enfrentó a Coco Chanel con Elsa Schiaparelli y en la que también luchaban Jeanne Lanvin o Madeleine Vionnet.

El pintor Carlos Sáenz de Tejada (Tánger, 1857 – Madrid, 1958) fue testigo de todos estos movimientos desde los salones de costura de París. Cada uno de los desfiles de casas como Worth, Patou, Callot Soeurs, Heim, Paquin o Rochas, tiene una crónica ilustrada en las páginas del Diario ABC y del semanario Blanco y Negro.
















Paul Poiret 1879-1944

Paul Poiret nació el 8 de abril de 1879 en un ambiente propicio a los placeres sensuales, pues sus padres eran comerciantes de telas en el barrio de Les Halles, en aquella época el "vientre" de París. A pesar de su imaginación y carácter soñador, que hacían presagiar su futura dedicación al mundo de las artes, su padre le obligó a terminar sus estudios de secundaria y luego lo mandó a trabajar como chico de los recados en el taller de un paragüero. Poiret, de su maestro tomaba retales de seda. Con estos restos, el jovenzuelo elaboraba extravagantes creaciones que hacían las delicias de su madre y hermanas. Su talento como dibujante le procuró un puesto en el taller del famoso modisto Doucet. Junto a él aprendió el arte de la costura, el de la buena vida y a tratar bien a las estrellas del teatro, algo que podía procurarle gran publicidad.

En 1901 se colocó en el taller más importante del momento, Worth, donde trabajó para sus hijos, que pronto se deshicieron de él. Dos años después montó su propio salón de moda. Su primera clienta fue la entonces admiradísima e imitadísima actriz Réjane. Tres años más tarde Poiret era una celebridad conocida allá donde fuera y en cuyas fiestas se reunía el tout París. El motivo por el que Paul Poiret empezó esta batalla contra el corsé fue que encontraba ridículas a las mujeres de busto curvo y trasero prominente. En 1906 diseñó un traje sencillo, entallado directamente bajo los pechos y que caía recto hasta los pies.

de la La nueva mujer del diseñador era modesta, joven y de movimientos descaradamente libres. Bajo sus vestidos se escondía una hermosa figura y no un buen corsé. Pero la desaparición del corsé no era lo único que hacía parecer a las mujeres más jóvenes y atractivas, también contribuyeron a ello los colores vivos y estampados sencillos. Para rematar el efecto, Poiret desterró las medias negras y cubrió las piernas con seda de color carne. Lamentablemente su estilo pronto comenzó a degenerar. Cada vez subía más el talle, y en consecuencia, los pechos. Además, sus escotes eran cada vez más pronunciados y sus faldas más estrechas. En 1910 lanzó la falda trabajada, que obligaba a las mujeres a ir dando pequeños pasitos. En esta ocasión las mujeres no siguieron los dictados del genio. Esto no preocupó mucho a Poiret, que siguió vistiendo a la mujer a su antojo con caftanes, quimonos y pantalones bombachos, y cubriéndola con velos, túnicas y turbantes. El lujo en todo su esplendor, bordados de vivos colores, puntillas de oro y plata, perlas y plumas. Lo oriental era el último grito tras el éxito en 1909 de los Ballets Rusos en París, que influenciaron en las artes, la moda y, en definitiva, el estilo década.



Paul Poiret fue el primer modisto en lanzar su propio perfume y en 1911 se aseguró un escándalo de inmejorables repercusiones publicitarias al presentar su falda pantalón, que recibió la condenación del mismísimo Pío X. Además, al comprobar en sus viajes que en todas partes se copiaban sus diseños, impulsó la creación del Syndicat de Défense de la Grande Couture Française, que debía proteger las creaciones originales.
Poiret no podía calificarse únicamente de modisto, pues era capaz de vender desde complementos hasta elementos de interiorismo. Pero el creador no fue un visionario, simplemente vivió integrado en su época, en los años previos a la I Guerra Mundial. Durante ésta, el diseñador fue movilizado y, al regresar del frente comprobó con horror que todo había cambiado. Poiret no pudo comprender que la guerra había hecho más por la independencia de las mujeres que la moda. Creyó que podría recuperar a su antigua clientela dando fiestas y celebraciones, pero esto logró que acabase arruinado. Finalmente, abandonado por todos, se retiró a la Provenza, donde consumido por el rencor se dedicó a la pintura.
Murió en 1944 pobre y olvidado, pero sin embargo su obra contribuyó enormemente al futuro de la moda.
Se rindió homenaje a su labor en el mundo de la moda en 2007 con la exposición Poiret: king of Fashion.


OPINION PERSONAL
Pues la verdad después de buscar todos estos datos y muchos mas artistas de la moda antiguamente, no me ha quedado claro quien fue el primer modista en el mundo, creo que esta un poco mezclado lo que era modista y diseñador, según estos datos yo diría que fue Worth, pero según mi criterio los primeros modistas fueron en el neolitico cuándo ya se comenzo a realizar ropas a partir de tejidos de pequeño tamaño cosidos unos con otros, para mi ellos son los primeros que diseñaron sus ropajes sin haberlos visto antes en ningún sitio y sin tener ideas anteriores los diseñaron según sus necesidades, los cosieron con los medios que disponían y los usaban cada día y cada momento.



BIBLIOGRAFÍA
http://www.modaes.es/look/241011/la-elegancia-del-dibujo-en-el-paris-de-los-anos-tr
http://jazmingastelum.com/?p=712
jazmingastelum.com/?p=712

sábado, 15 de octubre de 2011

EL DEDAL

 



                                                                                   

Un dedal es un instrumento utilizado en costura que sirve para empujar la aguja cuando se da una puntada.
El dedal es un cubilete de pequeñas dimensiones que se inserta en uno de los dedos de la mano y se emplea para ejercer presión sobre la aguja en el proceso de costura. El dedal está fabricado en materiales rígidos como metal o lo que permite empujar la aguja sin pincharse el dedo. Para facilitar la operación, está cubierto de muescas en toda su superficie para apoyar la aguja con seguridad sin que resbale.
El dedal es un instrumento muy antiguo que ha sido encontrado en tumbas egipcias. En aquel tiempo, los dedales estaban fabricados en cuero. También se han encontrado dedales fabricados en hueso, bronce o marfil en diferentes países europeos.
En el siglo XVI, eran populares los dedales fabricados en Núremberg que se vendían en los países del entorno. En el siglo XVIII, el dedal constituía un regalo de lujo que los jóvenes de la nobleza hacían a sus novias.
Los dedales también constituyen objetos de regalo y colección. Se trata de dedales artísticos fabricados en cerámica que llevan impreso el nombre o la imagen típica de una localidad determinada y que se comercializan en tiendas de recuerdos. También se coleccionan dedales históricos característicos de su lugar de origen en función del material o el tipo de fabricación.
La historia de este diminuto utensilio es muy antigua; en las tumbas de los faraones se hallaron pequeños dedales de cuero utilizados por las reinas egipcias, muy hábiles en el arte de cocer y de bordar. 
Los primeros útiles de costura primitivos aparecen alrededor del año 30.000 a.C., en la época del hombre de cro-magnon.
Inicialmente los "dedales" se usaban más como un útil para empujar la aguja, que como protector del dedo contra los pinchazos...
Alrededor del 15.000 a.C. aparecen en cuevas de Francia las primeras agujas, hechas de hueso.

Los primeros dedales de la historia del hombre aparecen en varios puntos de la tierra alrededor del 10.000 a.C. Estos dedales rudimentarios (que no son como los que nosotros conocemos, sino más bien, eran como pequeños objetos curvos para empujar las agujas) estaban hechos de piedra y se han encontrado restos en lugares tan distantes como Europa, China o Africa




En Europa, los dedales, tal y como los conocemos hoy, más antiguos datan de los siglos IX y X y estaban hechos en bronce.


En España, los primeros dedales que se han encontrado, datan de la época morisca (siglos XII al XV) y los fueron encontrados en Córdoba. Algunas de estas muestras están expuestas en el Museo Arqueológico de Madrid
Ya en el siglo XVII se hizo un dedal de plata conmemorativo de la boda entre el rey Carlos II de Inglaterra con la reina Catalina
En el siglo XVIII comienzan a fabricarse los dedales de porcelana cuando se empezó a producir en Meissen la primera porcelana europea.


En China, las damas de la más alta sociedad usan dedales de gran valor. A veces son hechas de perla, especialmente trabajadas y adornados con oro cincelado. Durante la Edad Media, las damas aguardaban bordando, el retorno de los caballeros ausentes, que participaron de las Cruzadas; a beses, un músico distraía las largas horas de espera.
Lo que no podemos contestar con precisión es donde, cuando o quien inventó el dedal. Solo podemos afirmar que se trata de un invento muy antiguo y que el primer dedal fue una especie de un anillo ancho, rugosa en su cara externa para impedir el resbalamiento de la aguja.
En todos los países de Europa y América los dedales son objetos de escaso valor, no así en China, pues no es raro aún hoy día ver dedales chinos adornados con perlas y oro o cincelados como alhajas preciosas y  presentados en estuches de nácar juntamente con agujas igualmente valiosas.
Hay dedales hallados en el norte de Rusia, en Italia y en Francia, hechos con huesos, bronce o marfil, de forma muy semejante  a los modernos.
Durante la  mitad del siglo  XVII, los jóvenes de la nobleza, ofrecían a sus novias dedales artísticos de oro o plata. 
El dedal para hombre (sastre) tiene forma de un pequeño cono trunco hueco y abierto en ambos extremos, mientras que el dedal para mujer está cubierta en su parte más angosta, interiormente es liso y exteriormente tiene pequeños dibujos; es ahí donde se apoya la parte inferior de la aguja cuando se coce, evitando así el riesgo de lastimarse con el reiterado contacto.
El dedal se coloca en el dedo medio de la mano derecha y sirve para empujar la aguja, en cada puntada, permitiendo ejercer presionar sin pincharse, usando la fuerza necesaria.
La leyenda dice que el dedal, tal como se conoce actualmente, fue la obra de un joyero de Ámsterdam, Nicolás Van Beuschooten, quien el 19 de octubre de 1648, fabricó y regaló uno a la señora Van Reusselar en ocasión de su cumpleaños, una carta  acompañaba el presente, y en ella el joyero suplicaba a la dama aceptar ese homenaje para protección de sus dedos, a pesar de su reconocida habilidad en manejar las agujas.
Entre la descripción de todas las profesiones, desde las más humildes hasta las más valiosas un lugar está reservado al  fabricante de dedales rodeado de sus aprendices.
En el año 1531, en Nuremberg, se fabricaban dedales que luego se vendían en todo el territorio bávaro. En esa ciudad como también en Ámsterdam y en Colonia, los dedales se fabricaban a mano, pero en el año 1696 se inventó una maquina para su fabricación en serie y precios relativamente bajos.

OTRAS CURIOSIDADES

HAY MUEBLES COMO TABURETES CON FORMA DE DEDAL:
Por su geometría de cono truncado, el taburete dedal, como los dedales
de los que toma su nombre, es también apilable.
Pero la sorpresa ocurre al sentarnos y descubrir que el asiento
semiesférico es blando y se adapta confortablemente a nuestro cuerpo.
Dedal recuerda aquellos hitos que indicaban la dirección en los caminos.
Varios dedales agrupados parecen personajes que dialogan entre si
creando un paisaje dinámico, tanto en entornos domésticos como al aire
libre.





  MUSEO FINGERGUT (ALEMANIA)
Existe en alemania un museo del dedal, nos explican un poco la historia de este utensio de costura utilizado desde hace muchos años, tambien tienen dedales encontrados en diferentes partes, pues ya desde la prehistoria se inventó.
Esta es la historia que nos cuenta el fundador de este museo de alemania sobre los dedales:

Con base en los hallazgos arqueológicos cerca de Moscú, hace 30.000 años los cazadores de mamuts, crearon botones perforados a través de las perlas hechas de marfil de mamut. Formaron anillos de hueso para ayudarles a aplicar presión mientras cosían los botones en sus prendas de cuero. El concepto moderno de un dedal proviene de los etruscos que viven en lo que hoy es Italia. Hicieron dedales de bronce con moldes de arcilla. Que eran difíciles de usar debido a que el alto contenido de cobre manchaba  los dedos de bronce y descoloria  la ropa. La tecnología del dedal fue llevada a Alemania, cuando los etruscos colonizaron el sur de Alemania hace aproximadamente 2500 años. El primer gran avance en la tecnología de dedal se produjo en el siglo 15.Los  herreros  de Colonia que hacían los dedales de cobre hasta ese momento, descubrieron que al arrojar tierra especial en el cobre fundido, los dedales terminados adquirían un color amarillo estable. Sin embargo, el proceso de crear una gran cantidad de humo maloliente para los forjadores de cobre se vieron obligados a abandonar la ciudad.
En Nuremberg el famoso viaje del médico, el doctor Paracelso que vivió como inquilino en la casa de un herrero de cobreDescubrió que era muy curioso el porqué el cobre se volvía  amarillo,y se dedicó a investigar el problema y descubrió que la tierra contenía zinc. En poco tiempo, el proceso fue refinado para producir cobre puro. A partir de entonces, los dedales de Nuremberg ya no se presentaban como una totalidad, pero se hicieron a partir de discos de sellado y las tiras de metal que fueron doblados de forma cónica. Los dedales de nuevo fueron un gran éxito en todo el mundo. Todo el mundo quería los dedalesde Nürnberg porque eran mejores, más cómodo y más baratos. Con el fin de mantener el método de producción de cobre en secreto, el consejo de la ciudad de Nuremberg prohibió a sus fabricantes de dedal - una profesión con el aprendiz, oficial y maestro artesano - salir de la ciudad. Para los próximos 200 años el secreto quedó en Nürnberg.
Las cosas cambiaron con la emperatriz María Teresa de Austria. Enojada porque ella tenía que comprar dedales fabricados en el extranjero de un lugar con el que con frecuenciaba, empezo una guerra y envió espías a Núremberg para robar el secreto del proceso de toma de dedal. Los espías regresaron con el secreto, pero los forjadores de cobre fueron incapaces de reproducir el proceso con éxito. Pero aquí no terminó, porque ella misma se las arregló para ir Nürnberg, y con un maestro herrero de contrabando se fue de la ciudad en un carro de paja. Cada maestro recibió su propia casa y el jardín.Al volver se construyó un centro del dedal en Viena y se rompió el monopolio de Nürnberg. Sólo después de un tiempofueron de latón producidos en toda Europa.
Con la llegada de la tecnología un dia, el hijo de un sastre en la ciudad de Schorndorf, cerca de Stuttgart le dio a su padre, un dedal de plata por regalo de cumpleaños. Habiendo aprendido la profesión de plata Smith, reconoció la parte más difícil del trabajo en la producción del dedal. Él experimentó durante seis años antes de que finalmente desarrolló un dispositivo que haría el trabajo. Después de inventar esta máquina, él y su hermano construyeron una fábrica y se convirtió en el mayor proveedor de dedales del mundo, la compañía Gebrueder Gabler en Schorndorf. Se vendieron más de 4000 diferentes tipos de dedales en 18 tamaños diferentes y se mantiene un inventario disponible de más de siete millones de dedales de plata. Cada mes un vagón de ferrocarril de dedales fue entregado a Rusia. La compañía fabrica dedales desde hace 140 años hasta que los herederos perdiéron el interés en el negocio.
Usando todo su dinero, mi padre compró la compañía y lo ha preparado para la producción. Dos semanas después de la publicación del producto catelog un incendio destruyó toda la planta. Que habría sido el final de la historia del dedal, salvo que coleccionaba mi padre la historia del dedal de muchas fuentes diferentes con la idea de que algún día publicara un libro. Entonces lo publicamos y la editorial tomaría 1.000 copias de nosotros mismos. El Fingerhut (que significa dedal en alemán y es el nombre del museo) se inauguró  en 1982. El libro está agotado desde hace muchos años, pero el museo con su colección única de artesanía de dedales y pronto recibió a su medio millón de visitantes. Hay una Fingerhutverein (Thimble Society) con sede en Creglingen. Tenemos alrededor de 400 miembros de todo el mundo. Cada año, el primer fin de semana de mayo, la sociedad se reúne para presentaciones de diapositivas, un mercado de libros, y un dedal nuevo. Puedo crear un dedal de los miembros especiales sólo cada año.

Hoy en día, si le pregunto a una joven o niña que está de visita en el museo para decirme en qué dedo se le puso el dedal, la mayoría no tienen ni idea.
                                                

Hoy en día el dedal se sigue utilizando para coser a mano, con el fin de no pincharnos el dedo al empujar la aguja, pero mucha gente lo colecciona, llegando a recopilar estos utensilios traidos de diferentes países, de diferentes colores, materiales o formas.